1、石膏几何形体写生与静物写生课件资料第二章 石膏几何形体写生与静物写生（16学时）要求和说明：1、使学生理解自然界中一切形体的基本结构原理. 2、进一步理解几何体与自然形体的相互关系，掌握基本形体的表现技法和做画步骤. 3、使学生掌握静物画的基本表现技法。 2、几何形体与静物素描构图能力的培养，内容与形式美的分析感受。 第一节 几何形体、静物写生的目的和任务 根据由浅入深，循序渐进的学习原则，素描写生应从研究石膏几何形体和静物人手,研究简单的几何形体，便于初学者理解物体的体积结构和它们在空间中的透视原理，便于理解物体的线和明暗变化的原理。素描造型中这些最基本的规律，实际上贯串在其它一切复杂的形体
2、中间，所以它具有普遍的意义。在素描训练中，通常先从石膏几何形体开始再转向静物写生。因为白色的石膏将有助我们改变一个观念，即在实物上，纯白色或纯黑色都是不存在的，由于光色变化，石膏上存在着极为丰富的不同明度的调子，这些明度则通过各类“灰”调子表现出来，从亮部高光上极淡的亮调子，到暗部层次不同的暗调子，经过灰面上不同的灰调子，反映出形体上微妙的调子关系。同时，由于石膏比有色物体更单纯，因而更能明确反映出自身的形体结构和起伏，有利于初学者进行观察和表现。同时，简单的几何物体，能帮助初学者了解一切其它物体以及复杂的人体的构造基础。因此，素描教学中从简单的几何物体开始，在静态中研究形体整体与局部之间的组
3、合关系，理解线和明暗变化规律，即“三大面”、“五调子”在石膏几何体上的具体体现，了解透视变形的规律。方法步骤对于开始研究造型的初学者具有重要意义，画法步骤体现了立体造型的认识方法和造型手段。从构图开始，经过大形的把握多次从整体到局部不断深化，将形、体积、光感、色调、质量感、空间关系真实再现出来，从而学会如何从二度平面的画纸上去塑造三度空间中的形体。 在静物画里，物体的结构和空间关系以及光感、质感一般是通过色调来体现的。静物写生重视对于空间的处理，通过前后虚实的描绘来表现物体彼此之间和物体本身的纵深关系。静物在空间中的位置，是通过透视缩形来显示的，因此各个物体要准确安排在线透视法则中。不同物体的
4、质量感是静物画要表现的课题之一。要十分注意静物的选择与布置。 总而言之，从学习素描一开始就必须强有力的建立以下几个观念： 一、物体的构造原理及观念 世间万物均由最基本的几何形体所构成。立方体、圆柱体(圆锥体)和球体是构成一切物体的基本形体，也就是说，所有其他形体都是由这几种形体，或是由这些形体的局部所组成。物体的体积形式决定于它的构造，如果不了解物体的构造，就不可能正确地画出它的形体。 二、物体立体与空间的观念 画素描应学会立体地观察和表现物体，为此，必须实实在在的研究物体存在于实际空间中的体积与空间原理。以及在画面上表现立体感的方法和在画面上创造空间距离感的方法。 三、物体局部与整体的观念
5、素描中，要使个别和细节部分服从于整个素描的整体处理，为此必须掌握这样一个做画原则，这就是要由整体到局部，要善于描绘细节而不破坏整体，要正确地保持色调的比例关系。学习素描一开始，最重要的是要尽量养成把你所见的一切都看成简单的几何形体的习惯。要经常不断地这样分类，它可以使你整体地去感觉一种形体，不要理会那些容易引起初学者十分偏爱的细节。这样做能增强你从整体出发的思维能力，我们最好力图使这种能力成为本能的习惯性反映。 四、分析思维与想象力相结合的观念 初学者应通过彻底揭露物体结构原理的系统练习的方法，来学会了解作为他们研究对象的每一个物体的构造。为了把形体看得见的部分画得正确，必须对整个形体，包括从
6、这个地方所不能见到的这个物体的所有部分，都要有一个明确的概念，从学习开始，就得发展其理性思维以加强理解物体体积形状的技能。但同时又必须使想象力得以扩展，“如果能让想象力奔放些之后，将会发现，世界万物只有很少几个基本形状，在这些纷纭复杂的客观事物之间，不过是一种几何关系。大海只不过是地球的皮肤而已，它和球形的针头有着亲戚关系。”洛伯物贝佛莱海尔在向大师学素描中又指出：“想象你走进这些积木里面，默想你周围的平面和弯曲的表面，运用这种想象，可使你熟悉内部的几何面，这些几何面是怎样相衔接，凹面的运动又是怎样。这样一来，便会开始懂得艺术家们所处理的各种不同题材，诸如环抱的山丘，激浪翻滚的内部动势，直到最
7、重要的人体。” 五、认识和发现形体特征的象征意义和表现意识 在做画时，应当寻找和表现自己画中最可作为特征的东西，并把这种方法的获得当作学习重点问题，这样可以使其具有更大的表现力。也就是说，尽可能将对象的本质特征、提取、概括，寻求某种适合的绘画语言，强烈而集中地加以表现，使其具有影响观众的魅力。 实际上，通过素描训练的不断实践，我们将会发现，在整个实践过程中以上几个方面的问题是至关重要的，也是贯串于整个素描学习的全过程之中。随着学习素描实践的不断推进，认识的不断提高，技巧的不断丰富和熟练，上述问题也必将会逐步地加深认识、增强理解，逐一地得以解决。第二节 两类造型方法的特点与规律 造型观念具体体现
8、于造型方法。在素描中，造型方法丰富多样，但概括起来则不外乎结构造型与明暗造型两大类。一、线结构造型方法的特点与规律 1、绘画中的线条 自然界中严格地说不存在绝对孤立的线条。所为线条，是指在不同色彩或色调的会合处，由想象力在它们之间补充的那种线条。或许由某种理论所推断出的两点之间相联便形成为线。实际上“线”具有某种抽象概念。运用线条的形式来观察自然界，这种倾向是人类的一种普遍特色。史前的穴居人，非洲和澳洲的土著居民，哥伦比亚人以前的印第安人，原始的成年人与小孩子，开始都是用线条来表现他们听看到的东西， 从它最单纯的形态上讲，线条是素描的检验标记，绝大部分杰出的画家都是以这样或那样的方法运用线条而
9、取得某种效果。事实上，线条成了绘画的关键因素之一，一位熟练掌握线条的画家，即使他没有熟练掌握艺术的其它手段，也可能取得伟大的成就。 中国书法是线的艺术表现，线是东方艺术的根子。中国传统绘画中，从一开始就贯穿着用线造型这一原则。西方，虽然从菩提切里到丢勒、霍尔拜因等大师也都长于用线，但毕竟不是主流。只有到了近代马蒂斯、毕加索才有意识地在东方艺术与远古雕刻影响下，发挥了线的威力。在当时是一种伟大的创新，使整个欧洲艺术受到震动。线的潜力非常大，它不只是能表现对象的结构、量感和质感等等，而且线本身有相当的独立性。线的变化无穷，画家本身的修养有多少，线的能量就能发挥多大。线本身具有无限的表现力和独立的审
10、美价值。在库克所著西洋名画绘画技法一书中有这样一段话：线条的作用还有更重要的一点，那就是表现节奏。线条可以标出空间的界限，从而也可表现时间界限。换句话说，当你的眼睛在一幅画中从这个区域移动到另一区域时，你观画的“拍子”通常是由切断各个部分的线条标出的。如果有相当多的线条需要通过，那么速度就会减慢下来。另一方面，你的眼睛在越过一个平坦的色域时，一般来说都相对快些，这种节奏的因素可以被一个画家用来引导速度的变化，并提高视觉的兴奋情趣。“用一根线条去散步”。这是德国伟大的芝术家保罗克莱一次用来表达线条的一句话。它总结了关于线条的一个重要方面，这是应该记住的一句话。那就是说，一根线条可以成为一幅画中的
11、重要因素。它可以有它自己的生命，一种表现力，以及它自己的个性特正，如果你能控制住它，那么在供你自由使用的艺术家的备用手段中，就有了一个最驯服的工具。 2、线结构造型方法的特点与规律 以线为主要表现手段的结构造型的素描方法，是以突出物象的结构组合关系为中心的，也就是说在造型上对于结构关系的强调必然意味着对非结构的其他因素取排斥态度，特别是对明暗持否定与削弱的态度，做画时要摆脱自然光线对物象的直接影响，着重研究物象形体结构中各个部分互相之间的组合原理和内在运动规律，并将其体现于不同透视角度的变化之中。它强调理解、强调结构、强调表现，这就成为以线为主要表现手段的结构素描方法的明显特征。 （1）、从结
12、构入手 对于这个问题，中外名画家无论是理论与实践上，都给我们留下许多极宝贵的经验。中国画中的 “应物象形、骨法用笔。”就是结构造型的体现，这是根据对象外形特征所采取的重结构的方法。唐代画家张彦远说；“骨气形似本于立意，而归乎用笔”。“骨气形似”的立意指画家造型观念而言，“骨气”、“骨法”、“骨相”均指物象外形结构特征。以线为主的结构素描，从何处人手呢？要从物象的基本空间特征，即物象的结构特征人手。结构特征是物象造型的基本因素，是线条表现的主要媒介。一幅以线条为主要表现手段的素描成功与否，在很大程度上依赖于对结构的理解程度。儿童画线条的天真稚拙、造型简单，基于对形体理解的简单化。其理解和表现是一
13、致的。随着年龄的增长，对原来的作品感到不满意，是因为基于理解的程度不断提高。成年人之所以不断探索新的表现形式，是因为自然物象的理解不断深入，想寻求一种较恰当的艺术形式来表达自己不断深化的感受。 物象的结构特征，包含哪些内容呢?主要有四个方面，即：解剖结构、形体结构、构成结构、透视结构。 解剖结构是指物象的自然生理形态。如物体的内部骨架构造与形态，人或动物的骨骼与肌肉。这是构成形体的基本因素。如果我们研究的对象是人或动物，由于全身的骨骼与肌肉十分复杂，我们只能从绘画的角度，研究那些对外部造型影响大的骨骼和肌肉，弄清它们的生长规律及运动功能。 形体结构是指物象的造型特征。为了便于分析理解物象，将物
14、象原来造型不明确的自然生理形态，归纳强化成一个或多个几何形体，或立方体、或长方体、或锥体、或圆球体、或圆柱体等，使我们对物象有一个十分清晰明了的几何结构的印象。 构成结构是指物象由各个局部构成整体的规律。我们在分析较复杂的物象时，总是一个局部一个局部地去分析。一个体块只能体现某一局部，复杂的形体是由几个、十几个甚至几十个体块构成的。这便是素描中很重要的一环。比如说人体，不仅要十分熟悉各局部的造型特征，熟悉各部分的比例关系，还要了解相互间的构成关系，使之联接起来各部分互相协调。 透视结构在绘画中，物象的体积是靠正确地表现出其透视关系而呈现的。以明暗块面为主的素描方法是以加强或减弱明暗层次的对比来
15、表现透视关系的。而以线为主的结构素描则是通过线的穿插来表现的。在这里，线条的方向、弧度、轻重、疏密等无不表示一定的透视关系。因此，熟悉透视的基本原理，对画好素描是必不可少的。 在这四方面的内容里，解剖结构、形体结构是物象的基本造型特征。构成结构，透视结构是物体的运动规律。前者是较静止的，熟悉起来容易一些，后者是活动着的，变化着的，不经过反复大量的实践是不易掌握的。（2）、用线条塑造形象 素描的基本目的，是要在平面的纸上画出具有立体感的物象来。物象的立体感必须是在正确地表现了物象的透视关系的基础上才能产生。以线为主要造型手段的素描方法，是靠线条的组合和粗细轻重等变化来表现其透视关系的。 线条是怎
16、样表现物体立体感的呢?我们以画立方体为例加以说明。在一张白纸上，先画一条竖线，在这里线就起到了分割画面的作用，再加一根竖线，就确定了这一面积的另一端位置，再加上两根上下的线，就得到了物象的一个面在空间的位置，再加上三根线，就得到物象在空间的另一面，加上更多的线，就产生了更多的面。这些面同最初的面结合起来必有一些离我们近，有些离我们远，这样就产生了透视感，物象就具有了立体感。简单的物体，易看得比较清楚，复杂的物象就困难一些，但只要了解上述基本原理，就可以运用它来表现任何复杂的物象。 物体本身有前有后，有重叠，有穿插，因此，运用线条的重叠与穿插关系，以体现物体的立体与多层次造型十分重要。一般原则是
17、采用前盖后、上盖下的方法进行穿插，假如我们在画的过程中穿插有错误，各部分的比例透视关系又不准确，就会感到很别扭。经常碰到这样的情况，往往一幅素描整体上不错，就是一根线穿插有误而感到有些别扭，只要调整这根线，画面立即改观。可见线条穿插的正确与否对物象造型的影响极大。 线条自身的变化和对比，也能产生一种透视感。我们画一根线条，这一端画得重，那一端画得轻，这两端之间便产生了透视关系。同样，画两根线，一根线画得粗，另一根线画得细，这两者之间也会产生一近一远的透视感。此外，干湿、浓淡、疾徐等也能给人以远近感不同，但并不是说重、粗、干、浓的线一定离我们近，轻、细、湿、淡的线一定离我们远，谁近谁远还要看表现
18、物象时的具体运用。线条的变化是十分丰富的，掌握好线条的变化对于更微妙地表现物象是很有益处的。 线条的疏密和趋向对物象体积的表现也很有作用。线条能起到分割体积的作用，有时一根线条在组合中就代表一块体积。在画一些透视比较大的形体时，由于体积前后重叠的层次多，构成体积线条之间的距离缩小，因而显得密集，所以一般说来，同一个形体，线条穿插的密，则说明体积重叠的多，形成的透视感便强烈。但这并不是绝对的，有时为了画面的处理，密集的线条所表示的并不一定是透视感很强的形体。另外，在物象的塑造中，线条体现为一种力，一种张力与控制力相结全的力，将体积的张力控制在一定范围之内，从而显示体积的大小，特别是弧线，弧度的大
19、小和方向对体积的影响很大，关系体积的丰满凹陷。有时弧向不对，该凸起来的地方凹下去了，或者相反。显然在前后的空间上没有错误，但是左右的空间处理不当，仍然不能正确地显示物象的体积感。 综上所述，可得出如下结论：线条是通过相互间的穿插组合和自身的对比变化来表现物象的空间位置的，并利用张力和控制力来加强物体的体积感。虽然线条千变万化十分丰富，各类线条的处理方法也不同，但上述两点将贯串在一切线的表现技法之中。 线条对物象质量感的表现，主要是依靠用线和用笔的变化和对比来实现的。以线为主要表现手段的素描方法，为了摆脱自然光线对物象的直接影响，因而就不可能依靠对光的描绘来表现质量感。只能靠用线的对比和用笔的变
20、化，让人们从这种对比和变化中联想到其不同的质量感。一般说来，坚硬厚重的物象用线宜粗直，用笔要沉着，柔软轻薄的物象用线宜细，用笔要飘逸，粗糙的物象用线宜粗松，用笔要迟缓，光滑的物象用线宜挺括，用笔宜流畅等等。此外，线的对比也能起互相衬托的作用，如画光滑的物体，在挺括的细线边上衬以粗松的线，则会显示细线所表示的光滑质感，相反，画粗重的物体，在粗重的粗线边上衬以飘逸的细线，则更能烘托出物体的厚重感。当然这种互相衬托对比要根据具体画面处理而定，并不是绝对的。线条表现质量感，由于不像明暗素描那样直接与客观，只是一种象征。因此，必须提及的是，虽然线条在表现质量感方面有它的独特的手法，但并不是它的长处，相反
21、，却是它的短处。所以，在以线为主的素描中，并不把质量感的表现看得十分重要，它所追求和表现的，是物象的结构特征，神态气质和画面独特的艺术形式感的处理。线条表现主观处理的因素较多，倘过分地追求物象质量感的表现，则会妨碍线条表现力的发挥。倘若发生矛盾，可偏重画面的艺术处理，使画面的形式感更强烈，因为艺术的目的不在于简单地重复物象的质量感，而是在于揭示物象内在美的实质。二、具体画法 （1）、先用直线将基本形定下来，确定透视关系，找出各物象所处的位置及其结构特征。这一步的关键是把握住大的透视关系和结构特征，也就是通常所说的最基本的相互关系。这是非常重要的一步，这个基础如果打得不好，越往下画越糟糕，所以要
22、认真对待不可勿视。 （2）、抓住物象结构的转折点(即高点与低点)，要明确肯定，不能含糊，倘若有所含糊，其结构就不清楚了。 （3）、用线将大的关系再调整，明确肯定之后，也可稍施皱擦法，将体积感大体勾画出来。 （4）、重点进行刻画，抓住结构的要害处及物象特征部分，用赋予变化的线条和笔法进行刻画，并且刻画中将各部分联系起来构成一个整体。（5）、画面的艺术处理。线的强与弱、软与硬、虚与实，要组成并强化其对比。其间也可采用皴擦和渲染的办法以突出结构与艺术效果。办法有两种：一是高染法，即在两条线的中间皴擦渲染，以表现中间体积的凸出和颜色感；二是低染法，即靠近线条处皴擦渲染，以表示其间的凹处和阴影。一幅画，
23、可以全用高染法，也可全用低染法，但更多的是两种方法并用，这样使用起来方便，只是要注意相互间的协调。这些辅助方法的运用，是为了加强艺术效果，使重点更突出，更有艺术感染力。以上所述，只是线结构造型方法一般的步骤画法。具体写生时，可根据不同的对象采用不同的处理方法。常用的处理方法有三种；一是以线为主结合明暗渲染，二是以线为主结合皴擦，三是全用线条表现。三、明暗造型方法的特点与规律 （1）、绘画中的空间 在一幅画中，空间是一种距离的感觉，这无论是在画面本身之内的各个不同的物体之间，或是在观者和画面内的物体之间都是如此。这种距离感是绘画的重要成分之一。 艺术家可以取得这种距离效果的方法有多种。一是用几何
24、透视，二是用视觉透视，三是用深度焦点透视透，四是用晕光围绕的方法等等。 几何透视这是一种获取距离的最容易理解的方法，它使用一种几何透视。我们都知道。几条平行的水平线是在视平线的一个想象点上会合到一起，比如铁路的铁轨即是如此。这类实例很多。当艺术家们第一次开始理解几何透视的规律时，这种方法就在文艺复兴时期被广泛地应用了。而今，这种方法还是如同几百年前同样有效。十七世纪时，荷兰的理论家曾说过，一个艺术家可以在一幅平坦的风景中画出阴影与日光的交错带，从而创造了空间。 视觉透视这种创造空间的方法，是建立在视觉或空气透视的理论基础之上的。几何透视是对空间的数学解决方法，而视透视则是一种光学解决方法。这个
25、理论是列奥纳多达芬奇在十五世纪早期首先总结出来的，它基于这样上个事实：那围绕在我们周围的空气始终不是完全透明的，并且在色彩上稍带蓝味。因此，一个远处的物体要比前景的物体更为模糊，在色彩上更带蓝味。如果你想使某种物体在空间中后退，可以把它画成偏蓝味的灰色，并使轮廓线变得含糊和朦胧。在巴洛克时期，人们习惯在艺术学院里教授这种视觉透视规律，在画室的天花板上挂起三块兰调子的、透明的丝绸幕布，用它来表现气氛环境然后，他们将人和物的模特放在每一道维幕的后面，这样，学生就可以在画室以内研究距离效果，并且学习如何运用视觉透视来变更色彩和轮廓线。而今，我们在室外环境中的观察与写生过程中，更能直接的体会和运用视觉
26、透视的规律了。 焦点距离透视这种取得空间效果的方法是基于以下的事实；人类的眼睛一次只能集中在一个距离焦点上，由于这个原因。那些不在眼睛的这个距离的物体就会超出焦点，从而变得模糊。因此，物体离这个焦点距离越远，它们就会越不清晰。为此，如果你要使一个物体在空间中退到另一个物体的后面，那么就把一个物体画得鲜明和清晰，而将另一个物体画得模糊和朦胧。人的头脑会把这个看作是不同的焦点，从而就有了不同的空间。 用晕光围绕这种创造空间感的方法，是在一个物体的周围用晕轮围绕。如果你发现某一个成分或物体在它的背景上还不够突出，那么可以试着在它的周围放上一个模糊的光带，沿着物体边缘画得鲜明些，朝向背景处逐渐淡化。从
27、光学上来说，这正是自然界中发生的现象，也是分离一件物体的有效方法，它可以在物质上和心理上把物体对象从它的周围环境中突出出来。许多肖像画家都曾用这种方法取得了特别好的效果。 艺术史上有许多大师，他们被绘画中的空间相互作用和表现空间的问题所吸引。曾从理解和运用上述的一种到数种方法创造了绘画的空间取得了效果。对于初学者来说，首先是要理解，素描是通过三度空间去表现物象的体积容量和物象互相之间的距离感，从而表现形体向纵深延伸的立体效果。绘画中常常把造就空间立体造型的写实手法所产生的表现效果称为“幻觉空间”。素描的立体画法所运用的空间手法正是为了创造出“幻觉空间”的视觉效果。假如说空间是一个概念，是由于造
28、型引起的一种真实感觉，那么这个概念和感觉的取得便依据于物体本身体积厚度的表现。因此，物体的体积厚度就成为造成空间感的比较手段。这种对时空非常具体的描绘方法，其媒介是光，其形式要素是明暗与调子。所以，对初学者，通过物象的描绘可以学到对空间深度的理解和表现方法。人物和肖像素描一般将对象处理在浅层空间的环境中，画家与模特之间存在的距离和模特与背景深处之间的距离构成了。两个空间点，而模特自身的体积应计算在模特与背景最深处之间的距离中去，这两个空间点显示出由画家眼睛到背景最深处的实际距离，而测量这一距离的准确性需要求助于模特自身这一实体的表现。为了正确体现空间，素描人物刻画要十分注意从画面最远的点来考虑
29、调子的明度对比，考虑面的转折变化。以调子作表现的素描作品中远处几乎是没有差别的灰色层次，形体模糊，而在近处结构与调子关系都是明确和清晰的。但应该注意的是纤毫毕露的表现，由于容易脱离“空间形体”这一造型的和谐要求，向来遭到画家们反对。素描上要求将人物作含蓄的整体处理，正是为了使人物退隐到一定的空间中去，为此，减弱调子对比使层次接近或以概括综合方式来表现细节，都是处理空间关系的常用手法。 （2）、明暗造型方法的特点与规律 从历史上来说，一个画家能够表现立体形状的方法有四种：第一种方法是使用明暗，第二种方法是随着描画对象的形体变化使用线条笔触，第三种方法是调整轮廓线或轮廓，第四种方法是运用色彩。 第
30、一种使用明暗表现形体立体感的方法，是最常用的方法。它突出对物象光影明暗的描写，表现出物象由光照所产生的明暗强弱、虚实变化。运用光影明暗，素描才能够获得物体造型的深度和立体。由于空气层的微粒受光照影响，处于空间中的物体产生近明远晦、近实远虚、明露暗藏的纵深透视变化，素描则采取黑白层次，调子类比的方法来塑造物体凹凸起伏所形成的块体透视变化，光为明暗造型的依据，画家由于巧妙掌握了对象受光面和背光面的对比，才产生出体积感的表现。 明暗造型也重视结构的表现，但其重视的并非结构本身，而是受光照影响所产生的结构体积变化。在造型的方法上，立足于表现体积结构，追求着物象三度空间的立体感，着意去突破平面性而力图创
31、造出一种真实的“幻象”，这是明暗造型的特征。欧洲古代绘画长期发展中，没有间断过对于造型立体感的研究，而立体研究的中心课题便是明暗和空间问题，文艺复兴以前的绘画即具这种倾向，直到十五世纪，在文艺复兴期意大利大画家达芬奇的作品上才产生蜕变，他的绘画与素描在造型中研究了明暗的表现技巧和空间处理，研究了人体解剖，他发现了色调从明到暗渐次变化的规律，并称此为“明暗转移”现象。这种光影之于形体的微妙变化，产生出绘画形象的真实感，也产生出由近及远、由明到暗，由实到虚的画面空间深度，使画面获得了前无古人的那种柔和的光影效果。明暗造型只是发展到荷兰画家伦勃朗才达到至美之境。他的作品体现出光线变化的丰富性和强烈的
32、体积感，人物形象塑造极为生动强烈。因此，利用光来创造“幻觉真实”的本领，千百年来一直是欧洲现实主义绘画的特征。 从研究明暗变化规律人手 要研究明暗变化的规律，必须首先了解明暗变化的条件。也就是说，当物体呈现在我们眼窗时，即出现极富变化的明暗色调，这种明暗色调的变化是由哪此因素决定的呢? 物体自身结构面的转折变化在外界光的照射下形成明暗色调的变化。也就是物体本身结构的差异而构成了物体表面大小不同，朝向、起伏各异的不同的面，在光源的作用下明暗色调才随之而变化。从理论上讲，明暗这一概念也反映出物体受光部和背光部的相互依存关系。假如没有光的存在，或是强光从四周均匀照射于物体，则物体表面起伏凹凸便会消失而失去体积感，也不会存在明暗色调的变
