编曲培训编曲知识讲解.docx
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编曲培训编曲知识讲解
编曲培训:
编曲知识讲解
编曲培训至于编曲工究竟是谁,他们又做了什么,whofxckingcares?
假如说一首歌诞生的过程是"作曲作词成品',那么编曲就是中间的那道"'。
编曲,主要就是和声织体的编写,来更好地烘托主旋律。
和声自然是重中之重(TSDT、和弦功能和倾向性、和弦的变化什么的纯理论上的东西我就不一一累述啦),而和声的表现形态和表现方式有许多种,通过不同的音色、不同的演奏方式奇妙地融合互补。
除此之外,还有复调音乐的应用(理论之类的我也就先不啰嗦了)。
所以,我就先从织体编写方面,胡诌些编曲技巧上的熟悉吧。
和声乐器的织体表现形态分为两种:
静态和动态。
静态,也称和声形态,乐器主要是以持续性的和弦长音演奏,许多歌曲中用到的pad铺底、弦乐等就是这种形态,可以依据实际状况选择演奏单音、音程或是和弦,这主要取决于你对织体厚度的要求(当然总的原则是上秘下疏中不空)。
和声乐器主要用于融合各种音色,增加氛围感和立体空间感。
动态,也称节奏形态,乐器主要是以柱式、分解等变化较快的演奏方式填充织体的内声部层,使音乐获得前进的推动力,节奏型的适当变化可以使音乐增加活力和感染力,更好地表达心情的变化。
接下来说一下Bass。
Bass的写作力求得到的是一个清楚流畅、旋律感强的BASS声部。
从和声上讲,留意好音程关系,而作为低音乐器,跳进往往比级进更能得到清楚明朗的效果,若使用级进,则连续下行效果会比较好。
从织体上讲,应处理好Bass和底鼓的关系,尽量避开低频碰撞。
从音色上讲,留意搭配底鼓和Bass的音色就行。
从音区上讲,低音下潜越深越好,但也要留意Bass的音域,保持音色的清楚度。
在和弦音的重复中,低音重复也是要留意的,假如和声乐器的低音音区与Bass演奏音区相接近,这时,两者的低音较好相同(其他低音乐器也是一样),这样可以加强低音声部,反之简单混淆,织体表达不清楚。
再来说说和声乐器的一些处理。
当内声部中填充有多个乐器且比较接近时,那么可以使用以下一些技巧达到更好的效果:
首先,可以采纳不同的排列法(密集和开放排列)相互补充,一来得到了更饱满的音响效果,二来避开和弦音完全重复抹杀了特定乐器的音色。
其次,可以通过调整声像方位来分散平衡内声部的堆砌感。
再次,可以适当处理音色,从而避开同音区音响上的堆砌。
再来说说关于声音的"颜色'。
其实声音也可以分成冷和暖的。
高频尖锐的声音(如钢琴)就是偏向冷色调的,而低频乐器的声音就比较暖和。
音色冷暖的合理搭配也是织体编写中需要适当斟酌的。
下面说一下各种风格曲子的编配举例(只是作参考哈,自己可以尝试更多的创意和变化)。
以下是三种比较有代表性的流行风格编曲。
1、钢琴为主的Pop流行风格。
这个体系一般是比较严厉抒情的曲子,以钢琴作为主要的和声乐器。
可以用到柱式、分解或者综合运用各种节奏型,主歌部分的鼓节奏可以用闭合击镲的音色支撑,到了副歌部分,为了突出织体,可以使用完整的鼓节奏。
总体要求平稳,尽量不要切分。
Bass的编写上不用太花哨,跟随强拍,使用长时值演奏。
此外,为了更好地表现曲子的抒情性,可以加入一个pad音色进行融合,副歌部分可以加入弦乐来加厚织体。
2、吉他为主的Pop流行风格。
这个体系也主要是缓慢抒情的曲子,以吉他为主要和声乐器。
可以选用尼龙弦吉他和钢丝弦吉他两种音色,钢丝弦吉他为主,尼龙弦吉他为辅,声像一左一右。
鼓节奏可有选择稍硬朗一些的,有主干节奏作为骨架,为了增加主歌和副歌的对比,还可以加入军鼓的音色,当然,节奏需要加花推动的地方肯定不要放弃使用。
同样的,在副歌加入弦乐增加织体厚度。
3、16Beat的流淌织体风格。
这种风格音符运动速度加快,音乐流淌性增加,以十六分音符为基本时值单位,节奏平稳流畅,也是抒情类的Pop音乐体系。
可以分别用尼龙弦吉他和电钢琴搭配作为和声乐器,使织体音乐颜色偏暖,突出音乐的抒情性。
其中,尼龙弦吉他主要演奏主体的节奏音型,电钢琴则辅以和声形态的烘托,相辅相成。
Bass同样是供应长时值的低音,有时也可稍加附点变化。
鼓节奏支配上,可以用闭合击镲进行十六分音符的滚动式演奏,底鼓和军鼓进行节拍上的强弱搭配,军鼓则作为段落对比的重要手段,如前面可以用击鼓边的音色,后面可以用击鼓的音色。
为了增加音乐流淌感,还可以加入颜色性的打击乐器如沙球进行点缀。
接下来说说摇滚风格啦。
1、传统的摇滚风格。
这种体系主要以原声音色为主,节奏轻快,心情对比以及爆发性都不是很剧烈。
主干织体可用双吉他模式,木吉他进行扫弦式音型演奏,电吉他在二、四拍等弱拍上演奏和弦,以此来转变节奏的重音,造成摇滚的感觉。
Bass可用选用力度强的PeakBass,基本保持与底鼓节奏全都,以强化强拍。
鼓节奏处理上,军鼓的节奏基本固定,底鼓可进行不间断的切分,增加摇滚的感觉,可以使用击镲边的音色增加氛围感。
另外,还可以加入一个合唱人声音色对织体进行丰富和烘托。
2、重金属风格。
重金属风格的特点是低音部分表现比较突出,因此Bass非常厚重,常常用失真电吉他呈现激励的音响效果,间奏也常用电吉他来演奏大段Solo。
为了突出低音,Bass的选择还是PeakBass,失真吉他音区选择也是偏重低音区,为了突出重金属感,主干织体可选择两把失真吉他作为和声乐器,扫弦式音型和长音相结合,凸显厚重的金属织体。
Bass演奏以平稳的强弱节奏为主,注意音色的颗粒感,铺满整个低声部层。
鼓节奏与一般摇滚节奏相像,连接处可进行填充加花,突出军鼓力度以增加摇滚的动感。
副歌部分还可以加入两个颜色性打击乐器(如沙锤和手铃)进行点缀。
3、**摇滚风格。
顾名思义,就是简单让人产生**感觉的风格,音色选用一些比较暖和、会产生某种幻觉的音色,并使用大量镶边、移相等效果器。
主干乐器可选择两个清音吉他和一个电钢琴,以暖和为主。
两把吉他以柱式节奏型互补演奏,声像一左一右,电钢琴以分解和柱式的综合节奏型对主干织体进行补充,但不过分突出。
Bass选用较为严厉的指弹Bass,节奏基本与底鼓保持全都,加固低音声部。
鼓节奏使用较平稳的摇滚演奏,稍有特点的是可以加入爵士韵味的点钹音色贯穿,军鼓音色同样可以变化以增加两个段落的对比。
副歌部分可以加入手铃作为颜色性打击乐器烘托氛围。
说到电脑编曲
尤其是对于鼠标党而言,如何让曲子尽可能显得自然和人性化一点,也是需要留意的问题,这时就可以通过转变各项参数,制造出一些不均一和变化。
不得不提的就是MIDI掌握器,可以对相关参数进行调整掌握。
每个掌握器对应一种掌握大事,如7号为音量掌握器,10号为声像掌握器,11号为表情掌握器(其他都可以通过查表得知)。
水果自带的自动掌握也是一大特色:
水果中任何一个旋钮、开关、推子等都可以单机右键,选择"编辑大事',然后通过画包络线对相关参数进行自动掌握。
如曲子中加入的环境音效可以画声像变化的包络线,达到更好的立体空间感,调音台中加的效果器的深度都是可以掌握的,不妨试着调一下,会有意想不到的效果。
当然,掌握器不是越多越好,否则播放曲子时会增加CPU的负担,简单死机,所以,要合理使用。
在织体编写时,强拍部分尽量使用协和音程,而不协和音程可以消失在弱拍过渡处(如对比式复调),整体要求就是使织体音响效果和谐动听又有流淌感,这点可以在编曲中多多尝试和实践,从保守的和声渐渐地增加点变化,得心应手后可以增加更多的变化,甚至一音对上一段旋律华彩。
在编曲中,有时候不仅是单一音色演奏旋律线,还可以是两个或两个以上不同特性的音色齐奏,合理应用这种音色的融合可以达到更抱负的听觉效果。
先将音色大致分成弹拨乐器、拉弦乐器和吹管乐器。
1、弹拨乐器+拉弦乐器。
音色自然,音质、音量相当调和。
2、吹管乐器+拉弦乐器。
是较强有力的旋律的一种重要表现方式。
3、吹管+拉弦+弹拨乐器。
音色协调,音响更加坚实,圆润丰满。
编曲中加入弦乐:
在歌曲中加入弦乐能明显增加抒情性,我个人也是个弦乐控,特爱听弦乐丰满的曲子,嘻嘻。
弦乐的编写较简洁的就是以和声填充内声部,不过都这样写听起来会比较机械,而富于变化的弦乐编写会在不知不觉中给曲子增色不少。
弦乐可以演奏歌曲的副旋律,但要留意不能干扰到主旋律,喧宾夺主可就得不偿失了。
编写弦乐通常需要做到与主旋律前呼后应、相辅相成,然后点上CB根音进行,再填写内声部,这是个关键,因为内声部不仅要起到和声的作用,还要有独立共性的旋律性,内声部的编写是需要功力的,这一点可以渐渐摸索练习。
初写弦乐可以从长音着手,保持声部平稳流畅,同时起到丰满和声的效果,慢慢娴熟后,就可以适当加入一些复调对位,增加曲子的推动力,还有以上说过的音程,会对写作有些关心。
较后要记得给弦乐画包络线哦,以免显得突兀或生硬。
11号2表情掌握器就是为弦乐预备的首先,枯燥的乐理我就不细讲了(你自己不想吧?
!
),只是定性概括地说一些东西,东拉西扯什嘛的。
编曲,主要就是和声织体的编写,来更好地烘托主旋律。
和声自然是重中之重(TSDT、和弦功能和倾向性、和弦的变化什么的纯理论上的东西我就不一一累述啦),而和声的表现形态和表现方式有许多种,通过不同的音色、不同的演奏方式奇妙地融合互补。
除此之外,还有复调音乐的应用(理论之类的我也就先不啰嗦了)。
所以,我就先从织体编写方面,胡诌些编曲技巧上的熟悉吧。
和声乐器的织体表现形态分为两种:
静态和动态。
静态,也称和声形态,乐器主要是以持续性的和弦长音演奏,许多歌曲中用到的pad铺底、弦乐等就是这种形态,可以依据实际状况选择演奏单音、音程或是和弦,这主要取决于你对织体厚度的要求(当然总的原则是上秘下疏中不空)。
和声乐器主要用于融合各种音色,增加氛围感和立体空间感。
动态,也称节奏形态,乐器主要是以柱式、分解等变化较快的演奏方式填充织体的内声部层,使音乐获得前进的推动力,节奏型的适当变化可以使音乐增加活力和感染力,更好地表达心情的变化。
接下来说一下Bass。
Bass的写作力求得到的是一个清楚流畅、旋律感强的BASS声部。
从和声上讲,留意好音程关系,而作为低音乐器,跳进往往比级进更能得到清楚明朗的效果,若使用级进,则连续下行效果会比较好。
从织体上讲,应处理好Bass和底鼓的关系,尽量避开低频碰撞。
从音色上讲,留意搭配底鼓和Bass的音色就行。
从音区上讲,低音下潜越深越好,但也要留意Bass的音域,保持音色的清楚度。
在和弦音的重复中,低音重复也是要留意的,假如和声乐器的低音音区与Bass演奏音区相接近,这时,两者的低音较好相同(其他低音乐器也是一样),这样可以加强低音声部,反之简单混淆,织体表达不清楚。
再来说说和声乐器的一些处理。
当内声部中填充有多个乐器且比较接近时,那么可以使用以下一些技巧达到更好的效果:
首先,可以采纳不同的排列法(密集和开放排列)相互补充,一来得到了更饱满的音响效果,二来避开和弦音完全重复抹杀了特定乐器的音色。
其次,可以通过调整声像方位来分散平衡内声部的堆砌感。
再次,可以适当处理音色,从而避开同音区音响上的堆砌。
再来说说关于声音的"颜色'。
其实声音也可以分成冷和暖的。
高频尖锐的声音(如钢琴)就是偏向冷色调的,而低频乐器的声音就比较暖和。
音色冷暖的合理搭配也是织体编写中需要适当斟酌的。
下面说一下各种风格曲子的编配举例(只是作参考哈,自己可以尝试更多的创意和变化)。
以下是三种比较有代表性的流行风格编曲。
1、钢琴为主的Pop流行风格。
这个体系一般是比较严厉抒情的曲子,以钢琴作为主要的和声乐器。
可以用到柱式、分解或者综合运用各种节奏型,主歌部分的鼓节奏可以用闭合击镲的音色支撑,到了副歌部分,为了突出织体,可以使用完整的鼓节奏。
总体要求平稳,尽量不要切分。
Bass的编写上不用太花哨,跟随强拍,使用长时值演奏。
此外,为了更好地表现曲子的抒情性,可以加入一个pad音色进行融合,副歌部分可以加入弦乐来加厚织体。
2、吉他为主的Pop流行风格。
这个体系也主要是缓慢抒情的曲子,以吉他为主要和声乐器。
可以选用尼龙弦吉他和钢丝弦吉他两种音色,钢丝弦吉他为主,尼龙弦吉他为辅,声像一左一右。
鼓节奏可有选择稍硬朗一些的,有主干节奏作为骨架,为了增加主歌和副歌的对比,还可以加入军鼓的音色,当然,节奏需要加花推动的地方肯定不要放弃使用。
同样的,在副歌加入弦乐增加织体厚度。
3、16Beat的流淌织体风格。
这种风格音符运动速度加快,音乐流淌性增加,以十六分音符为基本时值单位,节奏平稳流畅,也是抒情类的Pop音乐体系。
可以分别用尼龙弦吉他和电钢琴搭配作为和声乐器,使织体音乐颜色偏暖,突出音乐的抒情性。
其中,尼龙弦吉他主要演奏主体的节奏音型,电钢琴则辅以和声形态的烘托,相辅相成。
Bass同样是供应长时值的低音,有时也可稍加附点变化。
鼓节奏支配上,可以用闭合击镲进行十六分音符的滚动式演奏,底鼓和军鼓进行节拍上的强弱搭配,军鼓则作为段落对比的重要手段,如前面可以用击鼓边的音色,后面可以用击鼓的音色。
为了增加音乐流淌感,还可以加入颜色性的打击乐器如沙球进行点缀。
接下来说说摇滚风格啦。
1、传统的摇滚风格。
这种体系主要以原声音色为主,节奏轻快,心情对比以及爆发性都不是很剧烈。
主干织体可用双吉他模式,木吉他进行扫弦式音型演奏,电吉他在二、四拍等弱拍上演奏和弦,以此来转变节奏的重音,造成摇滚的感觉。
Bass可用选用力度强的PeakBass,基本保持与底鼓节奏全都,以强化强拍。
鼓节奏处理上,军鼓的节奏基本固定,底鼓可进行不间断的切分,增加摇滚的感觉,可以使用击镲边的音色增加氛围感。
另外,还可以加入一个合唱人声音色对织体进行丰富和烘托。
2、重金属风格。
重金属风格的特点是低音部分表现比较突出,因此Bass非常厚重,常常用失真电吉他呈现激励的音响效果,间奏也常用电吉他来演奏大段Solo。
为了突出低音,Bass的选择还是PeakBass,失真吉他音区选择也是偏重低音区,为了突出重金属感,主干织体可选择两把失真吉他作为和声乐器,扫弦式音型和长音相结合,凸显厚重的金属织体。
Bass演奏以平稳的强弱节奏为主,注意音色的颗粒感,铺满整个低声部层。
鼓节奏与一般摇滚节奏相像,连接处可进行填充加花,突出军鼓力度以增加摇滚的动感。
副歌部分还可以加入两个颜色性打击乐器(如沙锤和手铃)进行点缀。
3、**摇滚风格。
顾名思义,就是简单让人产生**感觉的风格,音色选用一些比较暖和、会产生某种幻觉的音色,并使用大量镶边、移相等效果器。
主干乐器可选择两个清音吉他和一个电钢琴,以暖和为主。
两把吉他以柱式节奏型互补演奏,声像一左一右,电钢琴以分解和柱式的综合节奏型对主干织体进行补充,但不过分突出。
Bass选用较为严厉的指弹Bass,节奏基本与底鼓保持全都,加固低音声部。
鼓节奏使用较平稳的摇滚演奏,稍有特点的是可以加入爵士韵味的点钹音色贯穿,军鼓音色同样可以变化以增加两个段落的对比。
副歌部分可以加入手铃作为颜色性打击乐器烘托氛围。
说到电脑编曲
尤其是对于鼠标党而言,如何让曲子尽可能显得自然和人性化一点,也是需要留意的问题,这时就可以通过转变各项参数,制造出一些不均一和变化。
不得不提的就是MIDI掌握器,可以对相关参数进行调整掌握。
每个掌握器对应一种掌握大事,如7号为音量掌握器,10号为声像掌握器,11号为表情掌握器(其他都可以通过查表得知)。
水果自带的自动掌握也是一大特色:
水果中任何一个旋钮、开关、推子等都可以单机右键,选择"编辑大事',然后通过画包络线对相关参数进行自动掌握。
如曲子中加入的环境音效可以画声像变化的包络线,达到更好的立体空间感,调音台中加的效果器的深度都是可以掌握的,不妨试着调一下,会有意想不到的效果。
当然,掌握器不是越多越好,否则播放曲子时会增加CPU的负担,简单死机,所以,要合理使用。
在织体编写时,强拍部分尽量使用协和音程,而不协和音程可以消失在弱拍过渡处(如对比式复调),整体要求就是使织体音响效果和谐动听又有流淌感,这点可以在编曲中多多尝试和实践,从保守的和声渐渐地增加点变化,得心应手后可以增加更多的变化,甚至一音对上一段旋律华彩。
在编曲中,有时候不仅是单一音色演奏旋律线,还可以是两个或两个以上不同特性的音色齐奏,合理应用这种音色的融合可以达到更抱负的听觉效果。
先将音色大致分成弹拨乐器、拉弦乐器和吹管乐器。
1、弹拨乐器+拉弦乐器。
音色自然,音质、音量相当调和。
2、吹管乐器+拉弦乐器。
是较强有力的旋律的一种重要表现方式。
3、吹管+拉弦+弹拨乐器。
音色协调,音响更加坚实,圆润丰满编曲中加入弦乐
在歌曲中加入弦乐能明显增加抒情性,我个人也是个弦乐控,特爱听弦乐丰满的曲子,嘻嘻。
弦乐的编写较简洁的就是以和声填充内声部,不过都这样写听起来会比较机械,而富于变化的弦乐编写会在不知不觉中给曲子增色不少。
弦乐可以演奏歌曲的副旋律,但要留意不能干扰到主旋律,喧宾夺主可就得不偿失了。
编写弦乐通常需要做到与主旋律前呼后应、相辅相成,然后点上CB根音进行,再填写内声部,这是个关键,因为内声部不仅要起到和声的作用,还要有独立共性的旋律性,内声部的编写是需要功力的,这一点可以渐渐摸索练习。
初写弦乐可以从长音着手,保持声部平稳流畅,同时起到丰满和声的效果,慢慢娴熟后,就可以适当加入一些复调对位,增加曲子的推动力,还有以上说过的音程,会对写作有些关心。
较后要记得给弦乐画包络线哦,以免显得突兀或生硬。
11号2表情掌握器就是为弦乐预备的。
1、上来先稀里哗啦讲一大堆乐理。
这种讲法以韩老师为代表,韩老师是一位拥有二十年功力,演奏技能精湛的键盘手。
大家知道,通常状况下好的键盘手,基本都是理论大师。
以Jazz为代表,那些简单多变的和声,也许率是由他们来创作。
2、基础的操作搞明白了,将作品分块,然后分别做MIDI,以毕老师为代表。
年近五旬,留着花白长发,一派长者风范的毕老师是能演奏多种乐器的大行家,四种提琴、长笛单簧巴松管、萨克斯小号都精通,同时还能演奏一些钢琴和二胡。
通常状况下,毕老师会以键盘开头输入MIDI,然后再逐句修正,给同学讲的,也是同样的手法。
3、先做一个循环套子,然后再往上叠东西,这种做法,以小胖为代表。
熟识我专栏的伴侣们应当知道,小胖是我多年的老伴侣,是一位技术很好的鼓手和打击乐手,他较擅长做Hip-hop、Rap、Funk、DrumnBass这一类节奏型的音乐。
假如你让他去写交响乐,他三天不吃饭,瘦一圈也未必能给你写够一分钟,但是只要一涉及到节奏,你立即就会感受到,这家伙的技能是有多靠谱。
这三种教法各有利弊,较大的共同缺点是进度跳动的太快,一步登天,对新人相当的不友好。
同学们在旁边看懂了,做起来总会感觉自己缺点什么,缺什么呢?
缺感觉?
太抽象了。
在我看来,较大的缺点是没打好基础,一上手就过于深,或者是临时用不到的东西讲太多。
总的来说,就是缺乏可操作性和可复盘性。
训练的方法是由浅及深。
要渐渐地,一步一步地根据思维逻,带着同学打基础,再逐步将学问扩展和推翻,得到进一步的提升。
就好比我们学习物理。
老师一上来直接带着同学从相对论或量子力学开头,也就是高校物理的课程,可以吗?
不用想也知道,这会直接干掉99以上的同学。
正确的教学方法,应是在有些计算力量和观看力的前提下,从基础动身,由牛顿的经典物理开头,逐步学习提高。
当同学的计算力量和理解力达到19世纪末期的讨论程度时,再引入20世纪初期的现代物理学问,由此进入更深层次的专业学习。
我们不能因为经典物理有局限性,就直接绕过它,前面几年打基础的学习过程是不行能跳过的。
我是怎么教的呢?
先打基础。
先打基础。
先打基础。
我简洁地举个例子,我们做一首简洁的,老式的金属,较基本的HeavyMetal。
对于一般的商业性Metal来说,它的基础是骨架,也就是打击乐和贝司部分。
我使用的DAW是ProTools,今日的主要内容是编曲,所以我们把留意力放在编法上,音色放在相对次要的位置,只看手法。
本想找个Cajon,发觉没有,就换成了Tambourine,手铃,这里还保留着构思时的痕迹先建立几个乐器轨和MIDI轨,刚才已经说了,主要是看编法,不追求音色。
所以我们就用ProTools自带的Xpand2音源来做。
声部的构成也很简洁:
一个鼓组,一个贝司,一个用来填空的Loop,一个PAD。
鼓MIDI是分五轨写的,都选上就可以合并到一起,结构看得更清晰那么就先写一下鼓组的MIDI,鼓音色,就简洁地用第1个好了。
编曲学习阶段重在技法,不要追求音色。
先写地鼓军鼓,打好框架,再写踩镲吊镲手铃,几个声部可以分轨来写,分别写好。
这里只是简洁地说一下意思,所以就写几个小节就可以了,较后来一个花结束。
较简洁的贝司了吧
贝司MIDI也很简洁,我们也就用1号贝司。
再次强调,不要纠结音色,要留意写法和对应的律动感。
假如你会弹贝司,你会发觉我只是写了简洁的轮拨而已,关键是位置要对。
在这种老式的Metal音乐里,贝司MIDI起手通常要比鼓超前一点。
鼓要写的有张弛感,换个能听懂的说法,就是要时快时慢,一冲一冲地,不能是速度不变的。
当然这都只是极微量的调整。
MIDI假如不放大了看,应当是看不明白。
贝司和地鼓合并到一起看,你可以发觉鼓是偏后的,极微量,很重要大家看到了吗?
放到较大看,其实就只是这么一点儿的区分。
但就是这一点,是较重要的。
只要长度稍作变化,便造就了不同的律动感,再搭协作理的响器和音色,就能塑成风格各异的音乐。
这个就是基本功,也是本篇较重要的部分任凭来个LOOP
鼓和贝司的骨架已经有了,但是粘合的不好,我任凭找一个较简洁的loop填进去,让它们显得更丰富,连接性更好一些,这是我个人的阅历和体会。
这个手法的灵感来自于我以前听过的音乐,格莱美奖获得者Slipknot,也就是大名鼎鼎的活结乐队的作品。
众所周知活结乐队有"一大群鼓手',演奏风格彪悍,深受听众好评。
我在制作类似风格的音乐时,有时也会尝试着使用2-3套不同的鼓组,或者是更多的打击乐器。
使用一套鼓来补强另一套鼓,这是一种对前辈的仿照。
PAD是顺手录的,你可以发觉我没弹齐,这个音色反应慢至于PAD部分就没什么可说的,我任凭找了一个现成的合成弦乐PAD填进去,HeavyMetal,合成弦乐PAD要有,也不能过分多,差不多就OK,详细内容也就是简洁的三和弦而已,没什么可说的。
到这里,MIDI部分全部做完。
效果器是早已停产多年的BossME70,音箱是Orange#4JimRoot签名款套装既然是HeavyMetal,那确定要有失真吉他才行。
吉他还是录真实乐器比较好,我不喜爱用音源的音色,那样显得变化很少,很假。
简洁做一下,拿一台很古老的综合效果器,BossME70,花半分钟调了一个音色,接入Orange音箱,然后由两个SM57拾音进调音台,得到吉他轨。
这里就是任凭弹弹,简洁录一下,不是重点,只要当好配角,能说明前面的问题就行。
而且我也没有像真正编曲那样录两遍,打极左极右,所以大家就更不用太纠结音色了。
较后,为了统一说明问题,我把它们拼起来,由较初的地鼓和军鼓开头,一件一件地叠加上去。
这样,诸位读者也能听得更清晰些。
总结一下,我在这里使用的全部都是Xpand2的预制音色,有1号鼓,1号贝司,任凭翻到的一个合成弦乐PAD,还有一个只有"动次打次'的Loop,再加上我拙劣的吉他演奏,没有任何其他的成分,更没有混音。
你在学着做编曲的时候,由于可以使用更好的音色,和更多的技法,整体的水准至少要明显超过我这个,才可以算行。
假如你费劲制作出来的听感还没有我这个好,那么我信任你确定还有很大的提升空间。
编曲学问讲解
和声乐器的
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